中国画怎么染色？
中国画的染，和西方油画的染不同——不是加色相调和，而是“着色”与“敷色”——用墨色、色彩在画纸上直接渲染出画面效果。 中国古人所谓“运水墨而透空”即是着色又称为“熏染”（如“烟云缭绕”要用笔墨颜色去“熏”）。
其实，我们如今欣赏古画，看到的已经是很后期的成果了。因为从五代开始，文人画崛起，逐渐代替了“画工”地位之后，作画便不再那么讲究技法，而是更追求自我情绪的表达。在北宋时期出现了一批所谓的“泼墨”“写意”大师——王诜、米芾父子、李成、郭熙等，他们作画不求形象逼真，也不要求细节到位，更是不讲究用色（青绿重彩是他们很反感的一种画法），而是“水墨淋漓”，“墨戏”，甚至“泼墨”，在“放”的同时，追求“逸”，于是，中国的绘画由“技艺”走向了“情趣”。南宋时，赵佶、赵孟、马远、夏圭等的作品，更是将这种风格发挥到极致。
虽然，后来明代董其昌、清代“四王”等又在理论上提倡“笔法”“墨法”（实际上，他们倡导的很多理论，也是后人加上去的），但事实上，到了元代以后，“用笔”已经不再是画家们首要考虑的问题了。因为，“笔”在元明以后的文人画中，已经等同于“工具”，是用来书写毛笔字，而不是用来画画的。所以，我们去看文征明的作品，往往“笔”很细，像是工整小楷书；而去看郑燮的作品，则是“笔”粗且淡，像是用大字体写的草书。
总之，无论是“用笔”还是“用墨”，在中国画里，都是随情随性而发的，是艺术家个人情感表达的载体。因此说，中国画的染色，也是在追求一种“随心而至”的效果，没有什么固定方法或者步骤。 当然，这是对于文人画而言的。而对于“院体”绘画，尤其是五代宋元时期的青绿山水、花鸟，是用“色彩”营造“意境”的高手。他们的用色，不仅讲究而且非常精细。